El término acuarela se refiere a su versión transparente o al gouache (una forma opaca de la misma Pintura).

La acuarela está hecha de pigmento fino o tinta mezclada con goma arábiga para darle cuerpo y glicerina o miel para darle viscosidad y unir el colorante a la superficie a pintar.
Un relleno sin pigmentar se añade al gouache para dar opacidad a la Pintura.

Podemos encontrar los colores en tubos o pastillas. La técnica transparente implica la superposición de lavados finos y para obtener sus efectos y los toques de luz se basa en la blancura de su principal soporte, el papel, que a su vez ofrece gran variedad de texturas, pesos y colores, su elección depende del estilo del artista.

El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o trapos. Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permacenen cuanto más calidad tienen los pigmentos. A medida que se superponen más lavados el color se hace más profundo.

El aguafuerte es una técnica indirecta de grabado calcográfico. La plancha sobre la que se va a grabar se recubre con un barniz protector sobre la cual el artista dibuja con una punta metálica, asegurándose que dicha punta toca la superficie del metal sin hacer surco en ella.

Realizado el Dibujo sobre el barniz, se sumerge la lámina en una cubeta de ácido mordiente, aguafuerte, que tiene la capacidad de atacar el metal y disolverlo en aquellas zonas en las que se ha hecho desaparecer el barniz.La profundidad de las tallas depende del tiempo de exposición al ácido y de la concentración de éste.Abiertas la totalidad de las tallas, se limpia el barniz sobrante quedando la lámina en condiciones de ser estampada.

Conocida desde el s. XV, en un primer momento la técnica del aguafuerte se empleó como complemento del buril. a finales del s.XVIII, acaba el largo dominio del buril y el aguafuerte se convierte en la técnica dominante del grabado en metal hasta llegar a la actualidad en la que cada vez son más escasas las estampas realizadas a buril, mientras que los grabadores calcográficos practican profusamente los procedimientos derivados del aguafuerte.

El aguatinta se basa técnicamente en el mismo principio del Aguafuerte, pero a diferencia de aquel, las líneas se sustituyen por superficies tonales. Es una técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o infinitas gradaciones de un mismo color.

El aguatinta se emplea frecuentemente en conjunción con la técnica de grabado del Aguafuerte para conseguir distintas tonalidades, que de otra manera será imposible obtener, ya que el Aguafuerte sólo permite obtener líneas.

Dau al Set fue un grupo artístico vantguardista catalán creado a partir de la revista homónima en Barcelona en octubre de 1948, inspirado en los trabajos de Max Ernst, Paul Klee y Joan Miró.

Sus miembros fundadores fueron el poeta Joan Brossa (que crea el nombre del grupo), el filosofo Arnau Puig, y los pintores Joan Ponç (director de la revista), Antoni Tàpies, Modest Cuixart y Joan-Josep Tharrats (editor de la revista). Al poco tiempo de crearse el grupo se les unirá Juan-Eduardo Cirlot.

Adscrito en principio al movimento dadaista, va a navegar por el surrealismo y el existencialismo hasta converger en un estilo propio, autoexcluyendose del ambiente de oscuridad cultural de los primeros años del franquismo con la pretensión de dinamizar la sociedada catalana.

El propio nombre del grupo ya delata su caracter rupturista.

La capacidad de combinar palabra e imagen en un formato tan atractivo y económico como el papel, hizo del cartel a finales del S.XIX, una innovación importante, siendo el elemento dominante de comunicación de masas hasta la segunda Guerra Mundial y la irrupción de la radio, el cine y posteriormente, la televisión.

Grupo de pintores españoles activo entre 1963 y 1981, fecha esta última en la que falleció Rafael Solbes. Fundado por Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo, que se desligó pronto del grupo.

Equipo Crónica se apartó del arte Informal para cultivar una Pintura figurativa dentro de la tendencia Pop Art. Analizaba críticamente la situación política de España y la historia del arte. Se inspiró en obras clásicas como el Guernica de Picasso o Las meninas de Velázquez.

Su mezcla es única: un poco realista, un poco crítica, bastante pop, con citas pictóricas, anacronismos y pastiches agridulces. Todo ello, con bastante entusiasmo, pero poca alegría, dado que la sombra del franquismo está presente en toda su obra.

Sus Pinturas y Serigrafías parodiaron los Retratos reales de Velázquez, que en esos años eran utilizados en carteles publicitarios por el Ministerio de Información y Turismo de Manuel Fraga. Frente a la imagen grandiosa y pintoresca de España que el régimen franquista quería proyectar, Equipo Crónica incidía en otra más sombría recurriendo a la ironía.

Equipo Crónica produjo Pinturas a gran formato, junto con Esculturas y grabados seriados. Existen ejemplos relevantes de este grupo en el IVAM de Valencia y el Museo Reina Sofía de Madrid.

Tipo de Acuarela que se diluye al agua pero cuyos pigmentos son opacos en lugar de translúcidos. Los pigmentos están aglutinados con cola o mezclados con pigmento blanco.

Aunque carece de la delicada luminosidad de la Acuarela, es más sustancioso que ésta y su textura se parece a la de la Pintura al óleo. Además, la tendencia de los colores del gouache a aclarar a medida que se secan permite una amplia gama de efectos nacarados o tipo pastel.

CoBrA es un acrónimo de las palabras Copenhague, Bruselas y Amsterdam.

El grupo CoBrA surgió a finales de 1948, como fruto del acuerdo de varios artistas en torno a la idea de vincular sus producciones en torno a una norma fundamental: La inexistencia de reglas, de manera que el trabajo del autor se guía sólo por la libertad que se genera en el inconsciente, dejando a un lado las prisiones que suelen encadenar a la inteligencia.

El Informalismo es el horizonte plástico que dominó el panorama abstracto español de los cincuenta y sesenta, en él se sitúa el Grupo de Cuenca. Pero no fue lo único que tuvieron en común, limpieza, equilibrio y perfección estética eran sus mayores preocupaciones plásticas. El resultado, una intensa pureza ornamental.

Gustavo Torner, Fernando Zóbel y Gerardo Rueda fueron las tres puntas de lanza de la agrupación. Su denominación va ligada al Museo de Arte Abstracto de dicha ciudad, que funda Fernando Zóbel en 1966 con la colaboración de ambos.

El legado de Zóbel y el trabajo de Rueda y Torner ha permitido que el Grupo de Cuenca ocupe un lugar destacado en el panorama artístico español de la Vanguardia.

El Paso es un colectivo de artistas que se fundó en Madrid en 1957 convirtiendose en el grupo de mayor relevancia en la definición de la vanguardia española de posguerra.

Sus integrantes en el momento de la firma del manifiesto y en sus primeras exposiciones como colectivo fueron: Rafael Canogar, Luis Feito, Juana Francés, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Suárez, Antonio Saura y el escultor Pablo Serrano.

Junto a ellos artistas formaron parte del grupo los críticos de arte José Ayllón y Manolo Conde. En el año 1958 se incorporan los artistas Martín Chirino y Manuel Viola.

En 1957 se publicó el manifiesto de El Paso redactado por José Ayllón y con el símbolo del grupo realizado por Antonio Saura basándose en una obra de Pablo Serrano. En abril se inauguraba la primera exposición del grupo en la Librería-Galería Buchholz de Madrid.

El Grupo El Paso desempeñó un papel fundamental en el proceso de normalización de una vanguardia, desorientada y dispersa desde el final de la Guerra Civil. Presenta una significación singular debido a la procedencia dispar de sus miembros, su coherencia plástica, a pesar de la fuerte individualidad de cada uno de sus componentes, y a su ideología comprometida y radical.

Tecnica de estampación en la que originariamente el artista litógrafo intervenía sobre una piedra calcárea, porosa, que tiene la capacidad de absorber tanto la grasa como el agua.

La tinta sólo penetrará en los poros ocupados anteriormente por el Dibujo y será repelida de los poros donde esté el agua. El descubrimiento de la técnica se debe a Alois Senefelder, quien en los años finales del s.XVIII obtuvo las primeras estampas litográficas.

Procedimiento de grabar, llamado en España al humo y más recientemente a la manera negra, permite alcanzar una gama muy amplia de tonos grises, difuminados y blancos.

Se atribuye su invención al holandés Ludwig von Siegen quien lo puso en práctica en 1642.

Es la obra de arte realizada con la intervención directa de un artista, que utilizando distintas técnicas artesanales y sobre distintos soportes como la madera, el metal, la piedra o la seda transfiere por distintos procedimientos una imagen generalmente al papel.

Los distintos soportes son grabados para convertirse en matriz, sobre la que aplicar color, a través de tintas y transferirlo por distintos procedimientos al papel. Este traspaso es absolutamente manual, da como resultado obras originales que pueden realizarse numerosas veces, de forma seriada, tantas como se marque en la edición, que sera previamente limitada y definida por el artista o editor.

El Op art, también conocido como optical art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.

Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.

En el op-art se encuentra Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros en relieve, Doble metamorfosis III, Bridget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón. Estos Op-Art Artistas Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz Diez, Youri Messen-Jaschin, Julio Le Parc, Zanis Waldheims.

El papel baritado es un tipo de papel para el positivado de blanco y negro fue desarrollado en Madrid, 1866 por José Martínez Sánchez y Jean Laurent como soporte para la emulsión fotográfica, y lo comercializaron con el nombre de papel leptográfico.1 2 3.

Si el papel ha sido bien trabajado, puede ofrecer una gran calidad, blancos puros, buena gama de grises y un negro profundo. Su durabilidad es la más alta, alcanzando 100 años y más. Hoy día sigue usándose el papel baritado para la Fotografía de calidad.

El Arte Pop (POp Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine.

El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

Las pruebas de artista son las impresiones que realiza el artista de su grabado para verificar las características generales de la imagen que está trabajando.

Se caracterizan por hacerse a partir del momento en que el trabajo de la imagen ha sido concluido. Las pruebas de artista se identifican por ser marcadas con las letras P/A ó P.A.

Sala Gaspar (actualmente Galería Joan Gaspar), fue una galería de arte fundada en Barcelona el 1909, con sede en la Plaza del doctor Letamendi. Realizaron importantes ediciones gráficas con los grandes artistas de la modernidad a los que representaban generando una admirable colección de carteles, con los conmemoraban cada una de sus exposiciones. Su compromiso con los movimientos de arte vanguardista promovió exposiciones de artistas como: Pablo Picasso, Salvador Dalí, Joan Miró, Antoni Clavé, Antoni Tàpies, Marc Chagall, Georges Braque, Eduardo Chillida, Andreu Alfaro, Alexander Calder y Alexei von Jawlensky.

Procedimiento de arte gráfico basado en un método permeográfico de estampación. El artista interviene sobre una pantalla de seda, tejido sintético o malla metálica, obturando ciertas zonas de su trama.

Para estampar se esparce tinta líquida sobre la pantalla mediante una rasqueta, tinta que pasará al papel sólo por las partes no obturadas.

Como puede observarse por esta descripción la diferencia fundamental de la serigrafía respecto a otras técnicas de arte gráfico es que en ellas la imagen se trasfiere mediante la matriz de estampación a la estampa por presión, mientras que aquí se genera a través de una pantalla por filtración.

Esta diferencia explica la distinta cantidad de tinta depositada sobre el papel en uno y otros procedimientos y permite entender porqué las superficies de color son tan compactas, sólidas y homogéneas en las estampas serigráficas.

El método esencial de los sistemas de impresión permeográficos se conoce desde antiguo en las culturas orientales; no obstante, el antecedente más directo de la serigrafía se encuentra en el estarcido con plantillas de comienzos del s. XX.

Conjunto de técnicas de arte gráfico en las que la imagen de la estampa se crea a partir de la adición de materiales sólidos a un soporte rígido.

La superposición de productos sobre la superficie del soporte permite crear diferentes niveles que facilitan la retención de tinta y, en consecuencia, resultan susceptibles de ser estampados. Efectos matéricos y de textura caracterizan estas técnicas de arte gráfico.